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Seraina Telli est numéro un des ventes d'albums au sein de la confédération helvétique !

Par Ahasverus
Seraina a reçu un Award par la Fédération Internationale de L'Industrie Phonographique (l'équivalent suisse de notre SACEM) et GfK Entertainment (une société allemande d'études de marché) pour son album solo, « Addicted To Colors », sorti le 25/08/2023.

« MERCI, DANKE, GRACIAS, MERCI & DANCKÄ, a déclaré la Suissesse. Ce petit truc en verre est la manifestation d'années de travail acharné, de chutes et de remises sur pieds, de tout perdu, de départs à zéro, et de la passion sans fin d'écrire des chansons pour vous, les gars. La musique fonctionne au-delà de l’espace, du temps et de la matière et je suis incroyablement reconnaissante envers chacun d’entre vous qui apprécie sa beauté infinie. Mais ce n'est que le début ! J'ai hâte de parcourir un long chemin, de savoir après chaque étape, ce que je veux faire de mieux pour la prochaine fois, et de revenir sur le chemin d'un travail acharné avec de nombreuses petites réalisations, parce que le vrai succès ne peut être obtenu qu’en allant le gagner. »
Frontwomen de la formation de heavy metal Burning Witches de 2015 à 2019, Seraina Telli a ensuite fondé le groupe de metal progressif Dead Venus avec lequel elle a enregistré deux albums. Après « Simple Talk » (2022), « Addicted To Colors » est son deuxième album solo.

Lucie Sue vient de rejoindre le groupe parisien Furies dans lequel elle assurera désormais la basse et les choeurs !
Par Ahasverus

Rappelons que Lucie, outre sa carrière solo qui la voyait sortir l'album « To Sing In French » début 2023, faisait partie des candidatures envisagées au poste de bassiste par la formation américaine Steel Panther en remplacement de Lexxi Foxx !
Beaucoup de mouvements dans le line-up du groupe Furies après la sortie de l'album « Fortune's Gate » (2020) et le départ de sa chanteuse et bassiste, la très estimable Lynda Basstarde. Le nouveau line-up est donc composé comme suit :

• Batterie : Elisabeth Lavarenne
• Guitares : Guillaume Jockey et Fred Bend
• Basse : Lucie Sue

Il semble que le featuring avec Alessia "Melany" Scolletti en reste au stade de la collaboration (au demeurant avec un excellent morceau !).

Le nom du frontman ou de la frontwoman qui permettra à la formation parisienne de se remettre en ordre de marche n'a toujours pas été dévoilé. On devrait l'apprendre très prochainement car Furies se produira au Rock N'Eat de Lyon avec Animalize, un très bon groupe issu de la scène lyonnaise, le 28/10/2023.

Une soirée hautement heavy en perspective !

Par Dam'Aël

Les tout premiers fans les ont connus sous le nom de Stone Train en 2006 sur Limoges. Au cours de l'été de cette même année, les quatre premiers morceaux d'une démo (The Score, Down, In The Name of God, et Living Dead) sont enregistrés au Media Studio de Verneuil (87) et intitulé 7 Weeks, elle donne le nom définitif au groupe (sept semaines étant la durée entre la création du groupe et sa première entrée en studio). Après quelques changements de line-up, est auto-produit le premier EP B(l)ack Days (EP) en 2007 qui permet au groupe de s'engager sur 25 dates notamment aux côtés de Lofofora, Psykup, Mass Hysteria, et Destruction Inc. 

S'en suivront cinq albums All Channels off (2009) avec , 7 Weeks Plays Dead of Night (2011), Carnivora (2013 avec un passage au Hellfest sous la Valley), A Farewell to Dawn (2016), Sisyphus (2020) et un nouvel EP Bends  (2014).

La formation  7 WEEKS actuelle se compose de :

Julien Bernard - chant, basse, guitare en studio (depuis 2006)

Jérémy Cantin-Gaucher - batterie (depuis 2006)

Gérald Gimenez - guitare (2016-2017 - depuis 2022)

 Les errances et les rencontres du quartet "sont autant d’histoires et de personnages que leurs morceaux décrivent dans une recherche sonore qui ne s’embarrasse pas de codes ni de modes. Et ce n'est d'ailleurs pas leur nouveau single qui prêchera pour l'inverse."  7 WEEKS nous propose de découvrir dès maintenant "Blackhole Your Heart", un bon crochet du droit de rock'n'roll qui vous met K.O. pendant 2'40,  second extrait de Fade Into Blurred Lines qui sortira le 13 Octobre chez F2m Planet (en pré-commande : https://7weeks.fr/shop/vinyl/fade-into-blurred-lines-vinyl-cd/ ).

" Le morceau aborde de manière symbolique la solitude de l’engagement, le feu sacré face à l’engloutissement dans le noir le plus profond. Le clip réalisé par Tom Marchand conclue le dyptique entamé avec "Gorgo" en juin dernier et la sculpture de Hom’Ort." (7Weeks)

Fade Into Blurred Lines :

01. Gorgo
02. Up The Pressure
03. Shimmering Blue
04. Blackhole Your Heart 
05. Castaway
06. Wax Doll
07. Mute
08. Windmills
09. Travellers

Proposé en version Vinyl , black sleeve, quadri innersleeve et CD Digipack + booklet 12 pages.

Une promotion Agence Singularités

https://www.facebook.com/7weeksmusic

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Angra a dévoilé un nouveau clip de son album « Cycles Of Pain » qui sortira début novembre 2023.
Il regroupe les deux parties du morceau « Tide Of Changes » qui occupe les pistes 4 et 5 du futur opus, un titre signé Andreoli/Bittencourt/Lione/Valverde pour la musique et Bittencourt/Lione pour les paroles.

Felipe Andreoli (basse) explique : 
« Cette chanson a pris vie très rapidement. Après avoir joué avec le riff initial, toutes les parties suivantes se sont naturellement mises en place. C'est une chanson pleine de dynamique et de textures différentes, avec un regard tourné vers le futur tout en regardant aussi vers le passé, surtout dans la section médiane. Fabio a fait un travail brillant avec les lignes vocales et a livré une performance très inspirée. L'intro est arrivée pendant que je travaillais sur quelques harmonies, puis Fabio s'est joint à nous et la magie a opéré. »
Rafael Bittencourt (guitare) ajoute : 
« Les paroles de Tide Of Changes ont été les premières que j'ai écrites pour l'album Cycles Of Pain et décrivent exactement ce que le titre dénonce. Nous vivons dans un moment de grande instabilité et, tandis que notre ego cherche la zone de confort et le contrôle, il est fondamental de s'adapter à cette impermanence, de surfer sur les vagues du destin et non sur nos attentes. » 
L'album « Cycles of Pain » propose diverses perspectives sur la douleur humaine et les cycles qui l'entourent. La douleur est inévitable, elle fait partie de la croissance et de l’apprentissage. En reconnaissant et en affrontant ces cycles, nous pouvons découvrir notre force intérieure et trouver un chemin vers la guérison et la transformation. « Cycles Of Pain » est une invitation à réfléchir sur les complexités de la douleur humaine. Il aborde des thèmes tels que la perte, la désillusion, la solitude et le désespoir, mais porte également un message de résilience, de dépassement et d'espoir.
La combinaison d'éléments sur l'artwork d'Erick Pasqua — un ange de la mort aux ailes brillantes et patinées ornées de symboles religieux et païens, une forêt sombre avec du feu et de la pluie, la prédominance d'éléments brésiliens — véhicule une représentation de l'idée que la douleur est une expérience récurrente et transformatrice, englobant à la fois les aspects spirituels et terrestres et nous encourageant à plonger dans les profondeurs de notre propre douleur, à explorer ses nombreuses dimensions et à trouver force et guérison dans ce voyage à travers ces cycles.

Un voyage auquel Angra a convié des contributeurs très différents de la scène brésilienne et internationale, tels la chanteuse Amanda Somerville, la pianiste Juliana D'Agostini, la guitariste et growleuse Fernanda Lira (Crypta) et l'ex-guitariste d'Angra Kiko Loureiro, mais aussi la chanteuse brésilienne Vanessa Moreno et le songwriter Lenine, qui a écrit pour des artistes tels que Gilberto Gil ou Sergio Mendes. 
Angra avait déjà dévoilé il y a peu un premier single-clip,  l'énergique « Ride Into The Storm », seconde piste de « Cycles Of Pain » à propos duquel le groupe précisait : 
« Ride Into The Storm est un morceau implacable et agressif qui capture l'essence du style d'Angra. Avec son tempo rapide et son style moderne, la chanson conserve l'ADN distinct du groupe tout en livrant des passages complexes et techniquement difficiles ; la fusion d'éléments traditionnels et progressifs repousse les limites sans sacrifier le style caractéristique du groupe. Ride Into The Storm est une étape de plus dans l'évolution d'Angra, incarnant l'agressivité, la vitesse, la modernité et la capacité dans un ensemble cohérent et engageant, nous immergeant dans un voyage puissant et transformateur, décrivant la dualité qui est en nous alors que nous sommes confrontés à la fois à des défis et à des opportunités. Au milieu de la division et de l'adversité, nous trouvons la force d'évoluer et de grandir. Guidés par l'espoir et la soif de vérité, nous nous lançons dans une nouvelle croisade. , unis en tant que guerriers du changement. Avec une détermination inébranlable, nous affrontons sans crainte le chaos, embrassant la transformation et forgeant notre propre destin. La tempête devient notre alliée, nous propulsant vers un avenir meilleur. »

Pour la production de son futur album, Angra a fait confiance à nouveau à Dennis Ward (Adagio, Unisonic) qui a déjà collaboré à plusieurs reprises avec la formation brésilienne.
« Cycles Of Pain » sera disponible le 03/11/2023 via Atomic Fire Records (Helloween, Heart Attack, Bloodywood).
Il est disponible en précommande ICI.

S'il perpétue plus qu'il ne renouvelle, « Wings » trouve les bons chemins, conjugue punch et rondeur, et sa haute tenue qui fait honneur au genre réveillera vos sens mélodiques dès la première écoute. 
Par Ahasverus

L'aventure discographique de RIAN commence en 2017 avec « Out Of Darkness », un album aussitôt qualifié « d'AOR policé » par le webzine Music Waves. Cherchant ses influences dans un hard 80's dont Bon Jovi, Dokken, Europe ou Winger firent les beaux jours, Rian est accueilli chaleureusement par les webzines spécialisés, se voyant même sacré « nouvelle étoile scandinave » par Hard Rock 80. Comme il se doit dans ce genre d'exercice, le songwriting est accrocheur, la voix de Richard Andermyr et les guitares mélodiques sont les points forts de la formation suédoise. 
« Twenty Three », un second long format, nous le confirme en 2021 en nous faisant du gringue dès la première piste. On est sur la même recette qu'en 2017, mais la formation s'est étoffée avec l'arrivée d'un second guitariste, Tobias Jakobsson, issu du milieu du death metal. Ca passe crème ! Les critiques francophones en profitent pour confirmer massivement tout le bien qu'elles pensent de la formation de Stockholm.
En 2023 Rian revient avec son troisième album, « Wings ».

Onze pistes, pour un peu moins de cinquante minutes de musique, voila ce que nous propose « Wings »...
Les morceaux ont été écrits entre 2018 et 2020, et la recette, désormais pleinement maîtrisée, décolle à chaque coup.
C'est donc une suite de (très) jolies mélodies rythmées par des guitares tantôt féroces, tantôt charmeuses qui vous accueille. Rian vise l'immédiateté, servi par une voix qui a ce qu'il faut de velours et de puissance et qui se voit parfaitement complétée par les guitares lead et soutenue par une section rythmique qui déploie une belle énergie.

Le rendu est savoureusement mélodique, on tape en plein dans le hard de la seconde moitié des années 80, celui qui avait su rester sur la bonne rive et qui ne s'était pas totalement noyé aux sirènes molles du genou de la FM. On a pensé, nostalgie oblige, à des formations comme XYZ, avec une pointe supplémentaire d'AOR et une inspiration qui ne semble pas prête de s'éteindre. Avec un grand talent les musiciens cisèlent des perles mélodiques (« We Ride », « Dance The Night Away ») agrémentées du solo qui tue servi par palettes entières (« Don't Wait For The Fire », « Look At The Stars »). Polyvalent, Rian sait durcir son propos sans se disperser (« On The Wind », « When You're Gone ») et réussit jusque dans la power ballade qui met les poils (« One In A Million », « The Silence Of Our Dreams »). 

Côté critiques, c'est à nouveau la quine pour un album« bourré de hits » (Metal Integral) et perçu comme « un réservoir de chansons joyeuses, optimistes et cajoleuses » (Metal News) qui constituent « un excellent disque de rock mélodique, respectueux de l'AOR des années 80 » (Rock N Reviews). On ne peut en effet qu'être admiratif devant l'inspiration des Suédois, car même s'il perpétue plus qu'il ne renouvelle, « Wings » trouve les bons chemins, conjugue punch et rondeur, et sa haute tenue qui fait honneur au genre réveillera vos sens mélodiques dès la première écoute.
Cet album de Rian entrera donc dans nos recommandations de l'année. 

On pourra débattre, mais enfermer « Shine Black Light » dans la rubrique thrash serait voué à l'échec : Art Of Shock n'hésitera pas à franchir clandestinement les frontières jusqu'à arriver à un résultat personnel qui doit autant à Metallica et Megadeth  qu'au hardcore new yorkais ou à des groupes comme les Red Hot, Faith No More, et peut-être même Queen !
Par Ahasverus

L'histoire d'Art Of Shock commence à Mexico, ville dont sont originaires les frères Geezar. Inspirés par les groupes de thrash et de metal au son desquels ils ont biberonné, Art (guitare, chant) et Adrian (batterie) décident d'aller voir si l'herbe est plus verte aux USA.  Leur chemin les conduit à Los Angeles. Les valises posées, le groupe Art Of Shock (re)constitué, ils enregistrent l'album  « Dark Angeles » (2020). La bio explique : « Étant des outsiders éternels, les Geezar n’en avaient rien à foutre de jouer dans les endroits cool de la ville. » Cependant Art Of Shock décroche une place sur le Vans Warped Tour, un festival mêlant musiques et sports extrêmes. Cette opportunité fait tourner un vent qui leur permet de se faire remarquer et de vendre trois mille CD de leur premier album. La chance ne s'arrête pas là : Art Of Shock va partager la scène avec plusieurs groupes établis (Trivium, Sacred Reich) et ouvrir l'intégralité de la tournée nord-américaine de Sepultura ! « Regarder Sepultura ou Crowbar tous les soirs nous a rendus humbles et plus affamés » se souvient le guitariste et chanteur Art Geezar. Cette expérience convainc le groupe de resserrer et d'intensifier son jeu. S'estimant prêt et plus fort, Art Of Shock, devenu le combo que ses géniteurs ont «  toujours rêvé d’être », revient le 09/09/2023 avec l'album  « Shine Black Light ».

Pour l'artwork, il est fait appel à Travis Smith (Opeth, Nevermore), mais c'est au niveau de la production qu'Art Of Shock crée la surprise en faisant appel au producteur Taylor Young. « Taylor est surtout connu pour ses disques beaucoup plus brutaux et bruyants » explique Adrian, tandis qu'Art complète : « Venant du hardcore, Taylor n'est pas aussi mécanique que la plupart des producteurs de métal dans sa façon d'entendre les choses. » Il précise sa pensée :« Il ne s’agit pas de montage et de perfection avec lui. Il s’agit davantage d’ambiance et de violence, ainsi que d’intensité et d’honnêteté de l’enregistrement. » Le résultat est aussi percutant que virevoltant.

Dès la première piste la touche hardcore s'impose, mais avec suffisamment de pause et de finesse pour venir effleurer la case progressive. On pourra débattre, mais enfermer « Shine Black Light » dans la rubrique thrash serait voué à l'échec : Art Of Shock n'hésitera pas à franchir clandestinement les frontières jusqu'à arriver à un résultat personnel qui doit autant à Metallica et Megadeth  (« Shine Black Light », « Death Stays Silent ») qu'au hardcore new yorkais ou à des groupes comme les Red Hot, Faith No More, et peut-être même Queen (« You Don't Know Me ») !

L'ensemble est mené avec beaucoup de lisibilité par des musiciens dont la créativité n'est entravée par aucune limite technique ou artistique et qui sont capables d'imposer des morceaux aux structures totalement démentes (« You Don't Know Me »).
Un album moins classique et plus personnel musicalement que le premier opus, un pallier dans la carrière du groupe, mais également un opus plus intime et sociétal dans les thématiques qu'il aborde, avec notamment le morceau « Drag Me to Hell » qui prend des allures de ballade mais qui traite de la violence intrafamiliale, très bien mise en images par le clip de Carlos Toro.

Art explique : 
« Drag Me to Hell est très différent de tout ce que nous avons fait dans le passé, tant au niveau des paroles que du son. Au départ, il m'a été difficile de partager cette chanson car elle reflète mon parcours personnel de survie. C'est la capture d'une époque où je me sentais impuissant et en quelque sorte responsable de la violence qui m'était infligée. Cela représente un moment où je ne pouvais pas imaginer un avenir au-delà du cycle sans fin dans lequel j'étais piégé. Cependant, comme beaucoup d'autres, j'ai finalement réalisé que je n'étais pas seul et j'ai découvert la force en moi de réécrire la fin de mon histoire. Malheureusement, des millions de personnes restent piégées dans ce cauchemar. En partageant nos voyages et en faisant preuve de solidarité avec ceux qui souffrent encore, nous pouvons les inciter à trouver leur force intérieure. Nous pouvons changer la fin de l'histoire. Nous sommes des survivants. »
Neuf pistes séduisantes qui démontrent qu'Art Of Shock a trouvé sa voie, slalommant entre thrash, hardcore et metal, brassant de vastes influences pour en faire une synthèse moderne restituée dans un album particulièrement réussi.

Un moment de plaisir partagé au centre d'un univers absurde échafaudé comme un château de cartes.
Par Ahasverus
Après « Epuz » (2012), « » Epuzz » (2013), « Epuzzz » (2014) puis après « L'Album » (2019), Ultra Zook revient avec un nouveau long format intitulé « Auvergnification ».

Ultra Zook, c'est Benjamin Bardiaux, Rémi Faraut et Emmanuel Siachoua,  un trio clavier/basse/batterie qui se retrouve autour de musiques déconstruites et de textes improbables à propos d'un type qui passe l'aspirateur (« L'Aspi ») ou d'un automobiliste qui cherche la bonne sortie sur l'autoroute A75 (« Oui Ben Oui Mais Non »).
De l'aveu même du groupe, le titre, « Auvergnification » est un «  clin d’œil à leurs confrères transatlantiquéens de Red Hot Chili Peppers, rencontrés brièvement en rêve il y a une dizaine d’années par l’un des membres d’Ultra Zook, celui qui tente depuis quelques temps de se démarquer et de faire croire qu’il a de la personnalité en laissant pousser ses cheveux sur sa nuque en visant le mulet. Il y a une chanson sur cet album qui s’appelle justement Rêve avec les Red Hots, que Mattt Konture – qui a dessiné la pochette, merci un million de fois - a transcrit dans un anglais parfait au recto par Red Hot Dream. Les bilingues sauront s’y retrouver. »
Pour que la fête soit complète, Ultra Zook a invité François Arbon à donner du saxo sur « J'ai L'impression Qu'c'est Plus Ca » et à jouer du trombone sur « Georges Gallamus », tandis que Flo Borojevic pose ses percussions sur « L'Aspi ». Blanche et Ilya Faraut font les choeurs sur « Salut ! » et le taulier Johnny Hallyday se fend d'un « Merci beaucoup » sur « Rêve Avec les Red Hots ».
Comme à son habitude, Ultra Zook enchaîne les musiques débridées et les textes incongrus. L'ensemble est manié avec drôlerie et nous immerge dans un moment de plaisir partagé à savourer depuis le centre d'un univers absurde échafaudé comme un château de cartes.
« Auvergnification » se termine par une piste instrumentale. Il a été enregistré et mixé en 2021 par Emmanuel Siachoua, puis masterisé en 2022 par Théophane Bertuit à Polyphone Records.

Si nous n'avons aucun doute sur la présence de l'inspiration tout au long de ce « Memento Mori » la question reste de savoir si le choix du son est pertinent.
Par Ahasverus
Nouvel album pour Marduk, formation de black metal née en Suède au début des 90's.. Un groupe qui amorçait sa carrière par la provocante et explicite jaquette  de la démo, « Fuck Me Jesus » (1991).

Par la suite, la polémique cristallisait sur un aigle ornant le  « Live In Germania » (1997) qui rappelait le totem nazi. Cette thématique, Marduk en userait et en abuserait dans des titres comme « Night of the Long Knives » ou « The Hangman of Prague »  — traduisez le bourreau de Prague, surnom du général  SS Reinhard Heydrich  — ou encore avec le désormais classique  « Panzer Division Marduk » (1999), certainement l'album le plus fameux des Suédois.
Le groupe de black est donc de retour avec « Memento Mori », son quinzième album studio.

Daniel Rostén (chant) dit à son propos : « Memento Mori est, à la fois, un bond en avant audacieux, un pas de côté calculé et un regard nostalgique en arrière. Cela signifie que nous avons innové sans oublier notre héritage ni le voyage qui nous a amené à ce point. »
Après un tour de chauffe, Marduk lance les hostilités avec « Heart Of Funeral », une seconde piste effrénée, et ne semble nullement disposé à relacher la pression avec un troisième morceau tout aussi furieux (« Blood Of Funeral »). L'album reste en tension quand la vitesse d'exécution se fait plus pesante (« Shovel Beats Sceptre », « Charlatan »). 

L'intro remarquable de « Shovel Beats Sceptre » ne laissera aucun doute sur le songwriting, qui avance au pas cadencé de « Marching Bones » pour  nous mener à la tuerie de « Year Of The Maggot », avec son pont très efficace qui annonce un dixième et dernier morceau.
Si nous n'avons aucun doute sur la présence de l'inspiration tout au long des quarante minutes de ce « Memento Mori » la question reste de savoir si le choix du son est pertinent et si quelque chose de plus massif aurait ou non desservi son propos.
L'album est disponible depuis le 25/08/2023 aux formats suivants : 

• Ltd. Deluxe Gatefold Ultra Clear-Black Splatter Vinyle avec artwork alernatif (Incl. LP-Booklet, Art-Print & Poster) (limité à 2000 copies)
• Red Gatefold Vinyle (Limité à 300 copies via Century Media Shop)
• White Gatefold Vinyle (Limité à 500 copies via Century Media Shop)
• Golden Gatefold Vinyle (Limité à 500 copies / Disponible chez Levykauppa ÄX, Bengans, Supreme Chaos)
• Silver Gatefold Vinyle (Limité à 500 copies / Disponible chez  EMP & Nuclear Blast)
• Black Gatefold Vinyle 
• CD Mediabook